El tiempo es un sauce
Esperando la publicación de tres álbumes de música en 2011, Hollace M. Metzger es amante del tiempo y del espacio porque todo es movimiento. Ha expuesto en Nueva York, Ohio, Kentucky, Brooklyn y París. Tiene una energía intelectual que se manifiesta a través de la pintura, la poesía, la música y la arquitectura. Tras su reciente colección de poemas Why the willoW (2010) y la preparación de su primera exposición en solitario en París, los diversos proyectos la llevan a nuevas visiones, nuevas palabras con nuevos contenidos y nuevos sonidos con los que entender el pasado para preguntarse por el presente.
Eres arquitecta, artista visual y poeta, siempre buscando nuevas formas de expresión. ¿De dónde viene tu impulso artístico y hacia adónde te lleva?
Viene de la necesidad de comunicarme y, principalmente, de existir en el tiempo. Supongo que también viene de la incesante necesidad de organizarme, de orden, de geometría, de ir buscando modelos, ¡llámalo como quieras! En cuanto a la fotografía, creo que me lanzo hacia momentos donde una persona puede inspirarse para tomar una decisión sobre su punto de gravedad y en qué dirección viajar…lo cual es además simbólico para muchas cuestiones en la vida. También busco mucho el simbolismo en las fotografías haciendo de estos símbolos nuevos símbolos que puedan significar algo personalmente, aunque no tan poderosamente como en el Arnolfini de Van Eyck. En la pintura, dejo el realismo a los expertos en cuanto me siento dirigida hacia la búsqueda de nuevos métodos, nuevas perspectivas de lo que puede ser percibido a nivel celular, un microcosmos, un plano urbano o incluso un universo. También conecta con el ritmo, pues suelo pintar con música, y además con mi subconsciente. Lo que me importa es más si el conjunto funciona, que su ritmo cree o haga reaccionar otros ritmos y, cualquiera que sea la forma que adopte, su belleza resultante resida en el hecho de que todos sus componentes necesitan existir en vibración con otros cuerpos, masas, fuerzas y energías. Me lleva a sorprenderme en cada momento, pero sé que cada nuevo trabajo me lleva también a conocerme mejor.
Terminaste tus estudios con una tesis titulada “Kin-Aesthetic Fourth Dimension” y te refieres a ella como un estudio de la vida donde propones la arquitectura, la experiencia y la pintura como prácticas combinadas. ¿Podrías explicarnos la idea principal tras esta tesis?
Mi tesis, sí. Cinética, estética y tiempo, siguen siendo importantes en mi trabajo. Es larga la lista de arquitectos de renombre que además pintan como actividad extracurricular porque es necesario para sus estudios del espacio. Lo vi también cuando el 3D se volvió un estándar en visualización hacia el 2000 para ventas, y ahora siento que el descubrimiento tangible se ha perdido en el mundo profesional. Puedes verlo también en los jóvenes y los videojuegos.
Además, mi estudio incluye lo que las cosas parecen ser, lo que atrae la curiosidad de los seres humanos y motiva su movilidad para interactuar con el espacio en general y el definido por los objetos, volviéndose parte de él. De nuevo, la cuestión planteada (confrontación con el plano de los objetos, el vacío, etc.) resulta en una decisión, incorporando así la psicología humana en todo ello.
Creo que una breve revisión del Cubismo y el Futurismo podrían explicar lo que quiero decir sobre los objetos en la secuencia del espacio y el tiempo. Cuando se representan un punto de partida y otro de destino en el recorrido de un movimiento, uno suele mirar entre ellos para entender su historia, y este “entre” representa un marco específico en el tiempo. Gráficamente, puedes ver en el símbolo de la vesica piscis, por ejemplo, lo que comparten todas estas experiencias. Puede ser específica fluidez, aunque conectividad formal, y es lo que me interesa en el arte y, eventualmente, me conduce a pensar en ello a mayor escala, en una única vida y su transformación natural de sí misma.
La transparencia es un concepto recurrente en tus trabajos, desde tu tesis hasta tu poesía, y el poema “For I wish” es un perfecto ejemplo de ello: “Sight unseen, these dreams lead to transparent heavenly lights cusping ever-present darkness in opacity, to night-time’s rooms without walls -On the edge of day and night, to remain, always. For I wish to be still from this distance, with the possibility of traversing boundaries when need be, or traveling, sidling its circumference where I will see only totality, all forests for trees”. ¿Crees que tenemos un concepto y percepción estrictamente materialista de la vida?
Creo que la evolución de la transparencia en mi trabajo está arraigada en un deseo de verdad, como en la poesía revelar muchas verdades de un autor incluso si no se manifiestan descaradamente. “Sidling (a) circumference” representa el deseo de mantener una buena visión del todo, de no caer confortablemente en una clasificación o esquema mental sino en una actitud de mentalidad abierta. La transparencia me permite además reflejar tiempos pasados y futuros, de los cuales soy defensora. Más aún, me permite estas visiones mientras celebro dónde estamos ahora. El misterio, o la translucidez, o lo que resida en la transparencia me lleva hacia lo que hay entre pasado y presente, la memoria, que se nubla cada vez más y más. Creo que este es el motivo por el que me opongo a las alteraciones digitales en la documentación de un lugar. Detallando, mirando atrás, reflejando…quizás otros tendrán la inspiración de una manera diferente, apreciando la vida más dándose cuenta de que no necesitan abandonar el mundo natural para conseguirla. Tanto se puede necesitar tener una perspectiva diferente de la vida o, simplemente, moverse un poco.
Viendo el materialismo, creo que tiende a empujar a la humanidad hacia la confortable adaptación social con sus cojines de seda. Si no cambiamos nuestra atracción a ello, cesando el aplauso a quienes se dan cuenta de lo que es realmente importante en la vida, continuaremos devaluándolo todo más y más. Creo que el hombre es un recolector y esto lo hace encantador, pero cuando recolecta cosas que no son suyas, tan sólo por comparar su coche con el del otro, entonces no entiendo su sentido.
Otro de tus poemas, “In passing”, acaba con una profunda reflexión sobre el amor y la vida como poetry in passing. ¿El verdadero amor está presente en la vida cotidiana?
Este poema en particular tiene una situación y un tiempo específicos. Suelo documentar los momentos que vivo cuyas emociones pueden o no regresar. Si tuviera una lista de todas las emociones posibles las consideraría todas un éxito, no para mí necesariamente pero para los demás. Pensando en por qué leer libros…los demás puede que también lean y digan:”Sí, sé de lo que habla…” Entonces, reír o no sentir como si estuvieran en una isla. Creo que la sociedad ama como si lo hubiera aprendido, o como se ha adaptado para responder a este sentimiento en su cerebro. Así que sí, creo que amamos. No estoy tan segura de si él o ella siempre lo expresarán de una manera que los demás puedan entender. Y esto es por lo que es “passing”. Era otra relación personal donde la comunicación del amor no era posible, mi constatación de ello. Cuando fue escrito además había muerto alguien muy cercano, así que las dos experiencias fueron paralelas y acabé diciendo que una vida, un amor, pasarían, como conclusión del poema. Y así fue en la realidad.
“For if you decide not to exist, do not invite me into your life. Do not falsify your ability to love, to live, to learn, to give”. Es un fragmento de tu poema “No other way”. ¿La sociedad está basada en falsas premisas creadas por seres enjaulados en sus propios miedos?
Sí. Bueno, no es tan simple realmente, pero mi opinión es: siento que muchos seres están enjaulados en sus propios miedos por aprender a ser sociales: niños crecidos en piel adulta, si quieres. Si pudiéramos negar ambos conceptos, podríamos progresar en un mundo más unificado. De todas formas, ahora sé que no puedo herir a alguien por no ser más que lo que ha aprendido a ser, pero expreso mi paz antes de marcharme y sobre esto va mucha de mi poesía íntima. Quizás entonces, la persona a la que hablo y otras piensen sobre ello y tomen alguna decisión diferente sobre su propia lógica y experiencia, lo cual sería “Other way”. Creo que además es importante apreciar cada “nuevo día” por lo que es –pues nunca es algo que ya ha pasado. Este día puede traerte la prueba de que los miedos previos no deberían existir más, que cualquier cosa puede ser vista de una manera diferente.
¿La vida está llena de límites que restringen nuestra existencia o es un espacio abierto por descubrir?
Creo que mi familia y mis amigos dirían que no soy la persona adecuada para preguntarle esto. Soy terca con los límites, cuando creo que hay una respuesta en algún lugar o que un obstáculo puede ser superado. Sí, la vida está llena de muchos, muchos límites. Dónde no encontrar la fisura que no puede ser atravesada en la tierra, o cómo aprender una nueva manera de saltar aún no está determinada. También me he encontrado esta intimidación y la falta de dirección es el mayor enemigo de todos, no el obstáculo en sí. Nuestra existencia sólo está restringida por la falta de fe en nosotros mismos. Quedan espacios por descubrir, quizás tienen formas que no esperamos o no están predeterminadas en el estudio de los libros de texto.
¿Por qué el sauce, why the willow?
Porque puede parecer triste, aunque yo estaba ofreciendo un nuevo punto de vista: quizás reflejándolo en sus propias lágrimas para ver su propia belleza y la belleza en detalle de las cosas que lo rodean y que le sirven temporalmente, cambiando su telón de fondo y su composición vital. Esto se explica en la conclusión del poema. Creo que era mi manera de decir a los lectores (como los poetas, románticos, creativos, empáticos, etc., suelen ser calificados de melancólicos) de tomar una nueva perspectiva sobre lo que ven, sin categorizar. La vida no es tan fácil y ellos son almas hermosas por descubrir. De todas formas, ¡no del todo florecidas, erguidas o cargadas de frutos!
Fue el último poema que escribí, cuando me preguntaba a mí misma una cuestión muy personal, el cual, dondequiera que me quisiera llevan el bolígrafo, acabaría siendo el título del libro. Este poema reconecta el texto con mi arte, que en aquel año yo focalicé en la fotografía y la pintura, incluso la arquitectura – “reflejando”, una falta de gravedad y una posible euforia en un estado de “ligereza”. Hay, por supuesto, muchos detalles biológicos y reproductivos en los árboles que me atraen, pero principalmente fue su estatura, simbólicamente. Otros poemas del libro hacen referencia al paso de la juventud hacia la madurez lo cual tenía también en mente.
¿Qué es la belleza?
Algo que he aprendido es que una definición de belleza cambia a lo largo del tiempo. Creo que belleza es verdad, honestidad, sensibilidad –sacar lo mejor de alguien, de los objetos, de un lugar o del contenido de una idea-. Creo que es tomar colores primarios y descubrir lo que se puede hacer con ellos, metafóricamente hablando. Belleza se puede encontrar en cualquier cosa, pero es nuestra responsabilidad observarla desde la lejanía, en totalidad, o de cerca con un microscopio. De nuevo, es verdad, no una máscara.
Un cuchillo es un instrumento esencial en tu trabajo visual en el que creas un interesante vínculo entre dolor y belleza. ¿La evolución está directamente vinculada a la violencia?
Realmente es un cuchillo de pintor. Con un cepillado regular, uno experimenta sensaciones de tracción y fuerza. El cuchillo sólo es una acción de empuje, su pintura requiere acercarse al lienzo a diferentes velocidades, pero el golpe debe ser firme, como el boceto de un arquitecto con su lápiz de punta plana para un dibujo uniforme. Esto te permite una mayor precisión y control, en mi caso. Poco después de cumplir 30 años, sufrí un trauma cerebral que dejó mi cuerpo paralítico durante diez minutos. Esto provocó un daño nervioso que me causó una disminución de la sensibilidad en la palma de la mano con la que dibujo. Esto, por supuesto, no era un problema si quería continuar dibujando edificios con el ratón de un ordenador por el resto de mi vida, pero yo quería más que eso. Creo que los avisos que nos da la vida nos lleva a relativizarlo todo, por muy desafortunados que sean, y me tomé este incidente como un signo de que tendré lo que tengo siempre.
La gente se ha tomado la posición feminista de mis pinturas como extraída del dolor, la lucha, la violación, etc. Pero, creo que están creadas con un movimiento directo y altos y fuertes pensamientos. He estado usando lienzos del tamaño de un brazo, como si fuera a dibujar un ángel de nieve, definiendo mi espacio como hizo Da Vinci con Vitruvian Man, Le Corbusier con Le Modulor. Si se hace en la música, un periodo rítmico – una danza, si quieres – queda documentado. Si cortar un lienzo es un boceto subconsciente y doloroso de la memoria, entonces lo que espero es crear con ello una combinación de los detalles que me han hecho lo que soy, en su intrincado, y construir algo nuevo con todo ello – fractales, por ejemplo. Y, no, las pinturas no están directamente relacionadas con la violencia aunque seguramente algunos cortes lo están. El lienzo de un artista cambia mientras él/ella trabaja y a través de la vida creativa de un trabajo, experimentando mi paz, mi ira, mis recuerdos y esperanzas además de otras emociones. El lienzo conoce tu verdad como nadie, realmente.
Creo que tu concepto de la vida es una existencia fluida en una perpetua transformación potencial pero, en cambio, tu trabajo visual está lleno de líneas. Hay muchas figuras geométricas mezcladas con cierta inspiración vegetal. ¿Se trata de tu visión de la lucha por la existencia?
Siempre me he preguntado sobre el hombre y la máquina, la tecnología y la naturaleza dentro de lo sobrenatural. Creo que tras la Revolución Industrial y a través de la Revolución Tecnológica es nuestra responsabilidad aprender de los periodos de innovación y equilibrar cuánto tiempo dedicamos a lo nuevo frente a lo que es y ha sido que sirva de algo. Quizás deberíamos encontrarnos a nosotros mismos no en la cresta de la popularidad y la tecnología (ya hay quienes dedican su trabajo a ello), sino en la del pensamiento como pensadores de los tiempos modernos, filósofos y cosas así. La tecnología no nos hará progresar como nación, cultura, mundo, si no progresamos individualmente, solos. Por tanto, me gusta fijarme en los detalles de las cosas que han permanecido en el tiempo, el origen (naturaleza), y entender conceptos profundos sobre la existencia y su supervivencia. A menudo las respuestas a muchas preguntas se pueden encontrar en las cosas sencillas.
¿Tu mundo existe realmente?
Mi mundo existe tanto como el tuyo pero lo que hace al mundo diferente es cómo lo ve cada uno, cómo hemos decidido acercarnos a él y cuán brillante es el sol realmente. El poema “My world really exists” explica experiencias personales a través de mi vida en diferentes países, cómo me sentí mientras las vivía y además revela cómo algunas de estas experiencias no eran como las que otros habían tenido en situaciones similares. El poema con su título, usándome a mí misma como ejemplo estudio, simplemente muestra cómo todos tenemos una percepción distinta y además cómo esta diferencia debe ser respetada. Lo escribí en Brooklyn, donde había estado viviendo mientras planeaba mi vuelta a Europa. Necesitaba expresar los recuerdos de los lugares de los que deseaba formar parte de nuevo y aquéllos que me afectaron profundamente y que permanecían- yo era de Nueva York pero colectivamente de muchos otros lugares también.
El sauce siempre estará entre nosotros porque sus lágrimas son las nuestras dibujando el rastro de nuestra existencia.
Una entrevista de Juan Carlos Romero
Fotografías de Hollace M. Metzger
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