Una luz para el alma
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| Foto de Thomas Nitz |
"La luz es esencial para mi alma , soy como una planta ..." Ulrike Haage nació en Kassel, Alemania, cerca del río Fulda, y creció escuchando la colección de discos de jazz de sus padres mientras aprendía a tocar el piano. Artista sonora, pianista, compositora , con los años ha desarrollado una carrera musical muy ecléctica que comenzó siendo tan sólo una adolescente tocando la guitarra y componiendo canciones en una banda de garage, además de tocar el piano clásico y explorar la improvisación. En su mente, los sonidos de Thelonious Monk, Stravinsky o King Crimson siempre se experimentaron a partir de una profunda y muy especial curiosidad, siempre en busca de nuevos sonidos, nuevos espacios, nuevas formas de expresión , tan esenciales para su arte como la luz que necesita para su alma. A mediados de los ochenta, creó la banda alemana de jazz
Reichlich Weiblich y trabajó en la obra de teatro Andi junto a Peter Zadek. Entonces conoció a Frank -Martin Strauß, más conocido como FM Einheit, percusionista del influyente grupo de rock industrial Einstürzende Neubauten, y se unieron a Vladimir Estragon, un grupo creado por el artista multimedia y músico multi-instrumentista Alfred 23 Harth. Como resultado de sus magníficos espíritus experimentales publicaron a finales de los años ochenta el álbum Three Quarks for Muster Mark pero el proyecto murió pronto y Ulrike Haage continuó desarrollando su especial universo creativo especial. Música para películas de ficción, documentales, danza , obras para radio y teatro, así como música para niños en su reciente álbum Flügel und Katze, nos muestra que su música no tiene fronteras, como reza el título de uno de sus últimos discos en solitario In: finitum (2011, Blue Pearls Music) en el que podemos descubrir cómo trabaja el minimalismo como una actitud de vida, dando al silencio algo del espacio que está perdiendo en nuestra vida diaria . Como ella dice "un solo tono tiene que tener la expresión de toda una orquesta".
¿Qué hay detrás de tu In: finitum?
¡Música! Buena música, escucharla. Disfrutarla .
A pesar de las influencias jazz de tus padres empezaste tocando la guitarra en una banda de garage, ¿cómo fue?
Esto fue en mi juventud y me sentí completamente bien . Yo estaba aprendiendo a tocar la guitarra, estaba empezando a escribir canciones y trabajaba con mis amigos en sus primeras bandas. Intercambiábamos nuestras visiones y por supuesto queríamos convertirnos en músicos famosos. Además estaba empezando a tocar el piano clásico y en paralelo me expresaba mediante la improvisación en las claves de este fascinante instrumento. A veces nos reuníamos los sábados después de la escuela para escuchar juntos nuestras colecciones de discos de vinilo. Así es como llegué a conocer a King Crimson y me enamoré de los baterías en general. Estas sesiones eran muy excitantes, porque siempre había música nueva para descubrir y discutir.
Más tarde, tomando el nombre de un personaje de Beckett, formaste la banda Vladimir Estragon junto a FM Einheit, Alfred Harth y Phil Minton lanzando el poliédrico álbum Three Quarks for Muster Mark. Jazz, rock, electrónica e incluso reminiscencias de ópera. ¿Por qué fue un proyecto tan efímero?
Este proyecto fue creado por Alfred Harth quien me pidió que me uniera. Dijimos que cada uno podría llevar a otro compañero. Yo traje a FM y él trajo a Phil. Así es como formamos el cuarteto. Pero FM y yo estábamos especialmente ocupados en ese momento con la Neubauten y los Rainbirds por lo que el tiempo de este cuarteto fue ligeramente limitado. Además fue un hijo de aquella época. Un tiempo en el que combinábamos Free Jazz, elementos industriales y Pop y abrazamos los extremos en el escenario.
Y entonces los nuevos Rainbirds volaron . Recordando el título de uno de vuestros álbumes, In a different light (1993), ¿qué nueva luz aportaste al proyecto?
La cantante y fundadora de los Rainbird , Katharina Franck, me pidió que me uniera a ellos para tocar en los conciertos, grabar nuevos discos y componer. Creo que aporté mi propio cosmos a la banda, más teclado, por supuesto, diferentes armonías y colaboraciones con cuerdas. Propuse por ejemplo una canción con nueve violonchelos y la encantadora voz de Katharina y compuse los arreglos (todos contentos). O propuse que en cada disco incluyéramos un tema instrumental que contuviera elementos experimentales.
Has compuesto numerosas obras para el teatro y la radio. ¿Qué te atrae de estos proyectos?
Supongo que es el intercambio con otras formas de arte, el lenguaje y la expresión . Me encanta trabajar con las palabras y los actores. Lleva consigo todo el mundo del cuerpo como herramienta de trabajo. Producir para la radio significa producir para una habitación sin imágenes. Desafía la imaginación y pide al oyente participar. Como compositora me da una enorme libertad. Al menos ... la tomo.
Teatro, radio y cine. A veces, probablemente en demasía, los directores utilizan la música para enfatizar. ¿Cómo trabajas este tipo de composiciones?
Depende de los directores . Estoy trabajando mucho con directores de documentale , lo cual es muy agradable. En general la música enfatiza las imágenes, es un hecho. Se puede dar un gran poder a las imágenes. En primer lugar observo realmente la película, la edición, la gente , el tema y trato de encontrar notas y claves y marcas sonoras para la película , a partir de las cuales desarrollo las composiciones.
¿Y en el proyecto del anillo, Ring?
Ring fue un proyecto coreográfico maravilloso, con el que hicimos una gira por todo el mundo . Era una pieza interactiva, donde la música, la coreografía y los espectadores eran el motor del espectáculo. La parte del público estaba impregnada con toques y felicitaciones de sus bailarines personales y la música en vivo era principlamente electrónica lo cual facilitó nuestra manera de reaccionar ante las diferentes situaciones en cada show! Cada final fue una gran fiesta techno, nuestro propio y bastante sofisticado techno.
La pieza Nunatak se creó como un diálogo con las pinturas de Anna- Eva Bergman. Creo que tu música es profundamente visual, al menos esa es mi experiencia con tus composiciones especialmente las de los últimos años. ¿Cómo te inspira la luz?
La luz es esencial para mi alma, soy como una planta, me deprimo cuando el clima es siempre gris - como casi siempre en Berlín. Y las pinturas abstractas de Anna- Eva Bergman o Hans Hartung me inspiran, porque hay un montón de espacio para pensar y desarrollar la imaginación en sus pinturas. Para componer prefiero el arte abstracto al arte concreto, porque no impone nada en mí. La luz y los colores en las pinturas de Bergman están muy sutilmente matizados como su uso del oro y la hoja de plata.
Tu último lanzamiento es un dúo con Eric Schaefer bajo el título For all my walking. ¿Podrías hablarnos sobre el proceso de creación del álbum?
Eric y yo estuvimos en Japón durante tres meses. Caminamos juntos en las montañas y visitamos importantes templos budistas. Dimos algunos conciertos y viajamos a ciudades como Osaka y Tokio. Durante este tiempo estudiamos los haikus de Basho y Santoka. El resultado fue música que compusimos especialmente para nuestro Duo y nuestros instrumentos, el piano preparado y el suiruon, un instrumento hecho de cerámica, tocado como un xilófono con mazos.
Luego escribimos un texto para acompañar nuestro concepto musical e invitamos a una soprano lírica japonesa que canta y también recita las partes del texto. El resultado se estrenó el primero de octubre de 2013 en la radio SWR y ahora será publicado en mayo de 2014, como un CD, con el sello Sans Soleil. Se trata de un CD musical muy personal.
Música, teatro, danza, cine, radio, pintura ...¿Qué es el arte?
El arte es todo lo que dirige nuestra percepción del día a día hacia algo más que lo previsible. Puede ser nuestro propio lápiz, cuando no escribe una palabra, dibuja una línea.
¿Crees que la música de vanguardia se convertirá en clásica algún día?
Para mí ya lo es. Ya estamos en medio de otro tiempo.
¿La gente escucha música o consume música?
Strawinsky dijo que la Radio mata a la música, porque empezamos a consumir en lugar de estudiarla. No estoy de acuerdo, pues he descubierto una gran cantidad de música a través de emisiones especiales que ampliaron mi horizonte. Creo que la gente en masa puede ser perezoso y sólo consume dos minutos de cada pieza de la nueva música, pero eso tiene probablemente que ver con el torrente de canciones que salen a diario en nuestros días, cada hora en el mundo de ho . Es cierto que la disponibilidad permanente de la música en canales como Spotify o Simfy hace que las personas piensen que lo saben todo y pueden hablar de todo. Seguramente esto no es cierto, pues debers profundizar en la música cuando se quiere saber más. Y la experiencia en vivo de cualquier música sigue siendo imbatible.
¿De dónde viene tu minimalismo?
Esto tiene que ver con mi historia. Yo crecí con el bebop, el cool jazz, todos estos grandes músicos, que apenas quedan vivos, que tocaron su alma más allá de su cuerpo. Con una gran cantidad de tonos. Tal vez por eso siempre he preferido a Monk o Garner o Miles Davis a los demás. A veces me parecía excesivo. Decidí que un solo tono tiene que tener la expresión de toda una orquesta. Trabajé mucho en la articulación y el sonido de mi instrumento (el piano). Durante mi educación clásica descubrí compositores como Moondog, Steve Reich y Philip Glass. Y me encantaron sus primeras obras. Supongo que todo esto influyó en mi decisión de ir en una dirección más minimalista.
¿Hay un exceso de ruido en el mundo?
Acabo de impartir un seminario en la Universidad Leuphana de Lüneburg donde soy además artista en residencia por un año. Se trataba de sensibilizar nuestros oídos con nuestro medio ambiente y reflejar lo que oímos en nuestra vida día a día. La cronología de mis temas también nos trajo al tema extremadamente moderno de la ecología acústica y cómo los lugares de silencio desaparecen rápidamente. La discusión era interminable, pues primero tienes que abrir los oídos y darte cuenta de lo que escuchas antes de poder decir qué es el silencio, qué esel ruido y lo que se necesita para estar menos perturbado por el ruido con el fin de disfrutar de los sonidos del silencio.
¿La vida es un lamento?
¿Estás citando la canción " Lament " que escribí tras la muerte del pianista Esbjörn Svensson? A veces las cosas nos tocan muy profundamente. Y la respuesta a estos sentimientos puede ser una pieza de música, un réquiem, un lamento, ¿no? Mucha de la música más grande se ha creado a partir de una profunda conmoción, tanto positiva como negativa.
¿Podrías contarnos un sueño?
¿Una de verdad o un deseo? Mi mayor sueño es que la gente utilice los logros del "siècle de Lumière" para tolerarse y apreciarse unos a otros en la tierra y convirtamos el planeta en un lugar inteligente, libre y creativo donde la mala gestión de los beneficios por codicia, los politicos fríos y monstruosos, como Jean Ziegler dice, fueran perseguidos por la ley. Cito el Four Freedom Speech de Roosevelt de 1941 : La gente debe disfrutar de la libertad de palabra y de expresión - libertad de culto - libertad de la necesidad- libertad del miedo.
Ulrike Haage | Vídeos aquí
Una entrevista de Juan Carlos Romero
Ulrike Haage website www.ulrikehaage.com
Fotografáa de Thomas Nitz cortesía de Ulrike Haage
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